Gordon Matta-Clark: Spaltung: 1974
Vor einiger Zeit habe ich über den Riss und seine Auswirkungen gepostet. Die Spaltung ist in Bezug auf die Bildsprache sehr ähnlich, es gibt jedoch subtile Unterschiede. Ich bin zum ersten Mal auf die Spaltung als Idee in der Arbeit von gestoßen Gordon Matta-Clark. Er hatte eine Reihe von Werken geschaffen „Stecklinge“ genannt, bei denen er Gebäude öffnete, indem er Formen in ihre Wände und Böden schnitt. In Aufteilen (1974) teilte er ein Gebäude in zwei Hälften und legte es frei. Das genutzte Gebäude stand, wie Rachael Whitereads „Haus“, kurz vor dem Abriss, und er nahm ein Stück aus der Mitte, untergrub seine Fundamente und entfernte die vier Ecken der Traufe. Sein Vorgehen war methodisch und bedächtig, es fühlt sich an, als ob das Haus von einem riesigen Messer in zwei Teile zerschnitten worden wäre.
Fall III von John Stezaker, 1993-94
John Stezaker hat zahlreiche Collagen erstellt, die auf der formalen Idee der Spaltung basieren. Seine Bilder sind buchstäblich zweigeteilt. Im obigen Fall war er in der Lage, die Trennung zwischen Mann und Frau zu kommentieren und die beiden in einer neuen Form zusammenzuführen. Seine Arbeit spiegelt eine alte Idee der Spaltung und den Wunsch nach Neukombination wider.
Die Schöpfung selbst wird oft als eine Art Spaltung verstanden. Laut Enuma Elish, dem babylonischen Schöpfungsepos, wurde die Göttin Tiamat im Kampf vom Gott Marduk zerstört, der dann ihren Körper „wie einen getrockneten Fisch“ in zwei Hälften teilte. Er platzierte einen Teil oben, um zum Himmel zu werden, die andere Hälfte unten, um die Erde zu werden. Marduk nutzte enorme Kraft, um den Körper der Göttin auseinanderzureißen, vielleicht nicht ganz unähnlich der Energie, die freigesetzt wird, wenn wir ein Atom spalten, eine Energiefreisetzung, die uns an den ersten „Urknall“ erinnert, ein Ereignis, das angeblich die Erschaffung von allem einleitete. Aber der Mensch konzentriert sich hauptsächlich auf eine andere Form der Schöpfung, die auf enger Kopplung beruht, und aus diesem Grund wurden weitere Schöpfungsmythen geboren, die ebenfalls auf der Idee der Spaltung beruhen. Im griechischen Mythos badete Hermaphrodite, der schöne Sohn von Hermes und Aphrodite, eines Tages im See von Carie, der wässrigen Heimat der Najade Salmacis. Salmacis ist von seiner Schönheit entzückt und nutzt sein Bad in ihrer Quelle, zieht ihn auf den Grund des Wassers und schwört, ihn niemals freizulassen. Dann betet sie zu den Göttern, sie nicht zu trennen, und mystische Kräfte werden eingesetzt, um ihre Körper zu einem Mann und einer Frau zu verschmelzen. Dies ist eine Geschichte, die am anschaulichsten in Ovids poetischem Epos „Die Metamorphosen“ erzählt wird. Nach dem für ihn traumatischen Ereignis verlangte Hermaphrodite von seinen Eltern, dass sie das Geschehene zum Ausdruck bringen, indem sie dafür sorgen, dass alle anderen, die in Zukunft den See von Carie betreten, „die Hälfte ihres Geschlechts verlieren“, wie er es ausdrückt.
„Gottheiten, deren Namen ich trage, ihr Autoren meiner Tage, gewährt mir die Gnade, die ich erflehe! dass alle, die nach mir kommen, um in diesen Gewässern zu baden, die Hälfte ihres Geschlechts verlieren!“ (Metamorphosen IV, 310)
Platon erinnert uns im Symposium an einen noch älteren griechischen Mythos, der auf der Idee der Spaltung basiert: Der Mensch sei „ursprünglich mit vier Armen, vier Beinen und einem Kopf mit zwei Gesichtern erschaffen worden“. Aus Angst vor ihrer Macht spaltete Zeus sie in zwei Teile und verurteilte sie dazu, ihr Leben auf der Suche nach der anderen Hälfte zu verbringen. Diese Beschreibung passt zum untenstehenden Bild der Androgynie aus dem Jahr 1550.
Jasper Johns: „Malen mit zwei Kugeln“
sper Johns: Zeichnung: „Malerei mit zwei Kugeln“
Die Zeichnung des Gemäldes ist eine Hybridform. Die Kugeln im Originalgemälde verraten, dass die Leinwand auf einen Holzrahmen gespannt ist, der sich leicht verziehen oder biegen lässt. Dies sind Materialprobleme, die für das Handwerk eines Malers von wesentlicher Bedeutung sind und mit denen sich viele junge Maler auseinandersetzen mussten, da sich Keilrahmen aufgrund schlechter Holzqualität oder eines feuchten Ateliers oft verziehen und verformen. Johns macht aus dem, was für viele Maler normalerweise negativ ist, etwas Positives. Die Zeichnung hat eine visuelle, aber keine physische Spaltung. Auch die Kohleoberfläche ist eine Darstellung, das Bild verblasst am unteren Rand, wird aber zu einer streng kontrollierten Illusion, wenn es um die Darstellung der beiden Bälle und der Spaltung geht. Auch in diesem Fall besteht die Spaltung zwischen der Zeichnung als Darstellung und der Zeichnung als nicht-figurativer Markierung. (Vielleicht auch eine Art Abspaltung von den damals sehr vorherrschenden Ideen Greenbergs). Wie immer gibt es eine andere Interpretation, die uns an die Kühnheit vieler Werke des abstrakten Expressionismus erinnert. Ein junger schwuler Künstler wie Jasper Johns hätte sich gern über die Macho-Kultur einer Kunstform lustig gemacht, bei der es vor allem um emotionalen Ausdruck geht. Ja, auch seine Malerei hat Eier.
Die Spaltung kann auch eine Metapher dafür sein, wie wir Dinge tun. Wir können einen Stamm auf zwei verschiedene Arten teilen: Wir können ihn mit einer Säge schneiden oder ihn mit einer Axt spalten. Wenn wir es mit einer Säge schneiden, schneiden wir quer und durch die Holzmaserung, aber wenn wir es mit einer Axt spalten, folgen wir der Holzmaserung und nutzen ihre Natur, um es zu spalten.
Gegen den Strich
Mit dem Korn
Man könnte argumentieren, dass „Ein Gemälde mit zwei Kugeln“ eine Spaltung ist, die mit der Maserung arbeitet, wobei ein verzogener oder gebogener Keilrahmen im Atelier eines Künstlers nichts Ungewöhnliches ist und eine natürliche Folge der Beschaffenheit von Holz ist. Während die Zeichnung „Gemälde mit zwei Kugeln“ gegen den Strich arbeitet, beginnt sie mit einer Lüge im Titel, sie müsste „Zeichnung eines Gemäldes mit zwei Kugeln“ heißen. Semantische Spitzfindigkeit, ich weiß, aber Worte sind Worte und sie prägen Gedanken.
Barnett Newmans Werk wurde oft durch eine Linie in zwei Teile geteilt. Aber diese Linie wurde als räumliche Spaltung betrachtet und um dies zu betonen, wurde sie oft als „Reißverschluss“ bezeichnet.
Barnett Newman: Onement, I 1948
Onement war ein Gemälde, bei dem der Künstler zum ersten Mal ein vertikales Band verwendete, um die räumliche Struktur seines Werkes zu definieren. Diese Farblinie oder dieses Band, später „Reißverschluss“ genannt, wurde zu Newmans Markenzeichen. Er hatte die hellorangefarbene Linie mit einem Spachtel auf einen Streifen Klebeband aufgetragen, und als er einen Schritt zurücktrat, um den Effekt zu betrachten, wurde ihm klar, dass dieses dicke, unregelmäßige Band durch das glatte Feld des bräunlichen Indischen Rots verlief. Gleichzeitig teilte er sich in zwei Teile und vereinte seine Komposition.
Barnett Newman
Der Reißverschluss öffnet sich in den Weltraum
Das Besondere an einem Reißverschluss ist, dass er sich leicht öffnen lässt und so den Blick auf das, was sich darunter verbirgt, freigibt. Newmans Werk galt einst als Teil des „Abstrakten Erhabenen“ und es wurde argumentiert, dass der „Reißverschluss“ zu einem Raum mit kosmischer Wirkung geöffnet werden könne.
Das schrieb der Kritiker Robert Rosenblum in der Februarausgabe 1961 von ARTnews
Das Erhabene, das seinen Ursprung bei Longinus hat, wurde im 18. und frühen 19. Jahrhundert intensiv erforscht und taucht in der Ästhetik von Schriftstellern wie Burke, Reynolds, Kant, Diderot und Delacroix immer wieder auf. Für sie und ihre Zeitgenossen bot das Erhabene einen flexiblen semantischen Behälter für die düsteren romantischen Erfahrungen von Ehrfurcht, Schrecken, Grenzenlosigkeit und Göttlichkeit, die begannen, die dekorativen Grenzen früherer ästhetischer Systeme zu sprengen. So ungenau und irrational die Gefühle, die es zu benennen versuchte, auch waren, konnte das Erhabene sowohl auf die Kunst als auch auf die Natur ausgedehnt werden. Eine ihrer wichtigsten Ausdrucksformen war tatsächlich die Malerei erhabener Landschaften.
Clyfford Still: 1956-D
Ein typisches Beispiel ist die überwältigende Intensität von Gordale Scar, einem Naturwunder Yorkshires und Ziel vieler romantischer Touristen. Gordale Scar wurde zwischen 1811 und 1815 vom britischen Maler James Ward (1769–1855) auf Leinwand neu geschaffen und soll den Betrachter in ein Erlebnis des Erhabenen versetzen, das in der Malerei bis zu einem Werk wie Clyfford Stills 1956-D seinesgleichen suchte. Mit den Worten von Edmund Burke, dessen Philosophical Inquiry into the Origin of Our Ideas of the Sublime and Beautiful (1757) die einflussreichste Analyse solcher Gefühle war: „Größe der Dimension ist eine starke Ursache des Erhabenen.“ Tatsächlich ist der Betrachter sowohl im Ward als auch im Still zunächst beeindruckt von der schieren Größe des Anblicks, der sich ihm bietet. (Wards Leinwand ist 131 x 166 Zoll groß; Stills 144-1/2 x 160 Zoll.) Gleichzeitig wird ihm der Atem durch den schwindelerregenden Abgrund eines Abgrunds angehalten; und dann, schaudernd wie Moore am Fuße von Niagra, kann er nur noch mit den Sinnen, die ihm noch übrig sind, nach oben blicken und vor etwas, das der Göttlichkeit ähnelt, nach Luft schnappen.
Gordale-Narbe: James Ward
Rosenblum sagt über Newman: Newman gibt mutig die Sicherheiten bekannter Bildgeometrien zugunsten der Risiken ungeprüfter Bildintuitionen auf; und wie sie produziert er unglaublich einfache Mysterien, die den Urmoment der Schöpfung heraufbeschwören. Schon seine Titel (Onement, The Beginning, Pagan Void, Death of Euclid, Adam, Day One) zeugen von dieser erhabenen Absicht. Tatsächlich könnte ein Quartett der größten Gemälde von Newman, Still, Rothko und Pollock durchaus als Mythos der Genesis nach dem Zweiten Weltkrieg interpretiert werden. Während der Romantik waren die Erhabenheiten der Natur ein Beweis für das Göttliche; Heutzutage werden solche übernatürlichen Erlebnisse allein durch das abstrakte Medium Farbe vermittelt. Was einst Pantheismus war, ist heute zu einer Art „Farbtheismus“ geworden.
Gordale Scar ist in der Tat eine weitere „Spaltung“, diesmal eine geologische und eine, die uns an kosmische Spaltungen erinnert; Risse im Gefüge der Raumzeit, die uns immer noch erzählt werden existieren; alte Überbleibsel aus der Zeit kurz nach dem Urknall, als ein Der ältere, energiereiche Zustand blieb übrig, als neuere Kühlregionen aufeinandertrafen und nicht perfekt zusammenpassten.
er Riss in der kosmischen Raumzeit, wie er in Doctor Who erschien
Die „Spaltung“ im Abstrakten Erhabenen wird kosmisch. Es ist immer faszinierend zu sehen, wohin Ideen führen. Sie können natürlich eine Art Wortfluss einer Idee entwickeln, indem Sie einfach zu einem Thesaurus gehen, der uns in diesem Fall die Spaltung, den Riss, die Verwerfungslinie, den Bruch, die Lücke, den Abgrund, den Riss, die Teilung, den Spalt, den Riss liefert , Bruch, Schrägstrich, Spalt… alle verschiedenen Linien der Trennung, aber wo wir eine Teilung haben, können wir auch eine Reparatur oder Verbindung, ein Schließen oder die Bildung von Verbindungsstellen haben, und wenn Sie ein Bild mithilfe einer visuellen Spaltung zusammensetzen, Sie könnte gleichermaßen das Öffnen oder Schließen einer Idee sein.
Raumkonzept, Warten: Lucio Fontana 1960
Der Schnitt oben wurde mit einer einzigen Geste mit einer scharfen Klinge ausgeführt, und die Leinwand wurde dann mit starker schwarzer Gaze hinterlegt, um den Eindruck einer Leere dahinter zu erwecken. Es handelt sich eher um einen Schlitz als um eine Spaltung. Worauf Fontana anspielt, ist die kosmische Bedeutung eines Schlitzes im Gefüge des Universums, etwas, das er metaphorisch in der kontrollierten Arena einer gespannten Leinwand ausspielt. Das Aufschneiden der Leinwand ist eine Art Probe fürs Leben, die uns einen Einblick in das gibt, was sich hinter dem Vorhang verbergen könnte.
Die Spaltung kann sich natürlich auf uns selbst beziehen. Eine gespaltene Persönlichkeit deutet darauf hin, dass wir manchmal nicht die sind, für die wir uns halten. Ich werde ein anderes Mal auf die Spaltung und ihre eher psychologischen Auswirkungen zurückkommen und vielleicht einen meiner gelegentlichen Gastblogger in die Debatte einbeziehen, der über mehr Fachwissen in diesen Dingen verfügt.
Den Schatten spalten
Siehe auch:
Die Träne: eine Linie der Trennung
Der Zickzack Mehr über Risse im Gefüge der Realität
Die gepunktete Linie
Wo Flecken und Spuren aufeinander treffen. Die Wunde als Kunst
Über Nichtwissen und Aufpassen: Tim Ingold: Unterschiede zwischen Absicht und Aufmerksamkeit
